Les élèves disent souvent: “Je cherche mon style”, “je n’ai pas de style”, “je n’aime pas mon style” (fréquent), “mon style est comme ci ou comme ça” (explication de style), “j’adore mon style et il ne pourra pas bouger” (un peu moins fréquent)…
Personnellement, j’ai cherché mon “style” pendant des années et quelque part, je continue encore. Un peintre passionné, qu’il soit amateur ou pro, élève ou maître, de dimanche ou de lundi, aura tendance à chercher, évoluer, expérimenter, triturer sa matière.
Le problème, c’est que souvent, on galère, on s’encroute, on s’enlise, on essaye de s’en tirer, on s’énerve…bref on souffre.
Ça vous arrive d’être tellement en colère que vous avez envie de détruire votre toile? Moi je l’ai déjà fait. Car “ce n’était pas ça”, “pas assez beau”, “pas assez fort”, etc., etc., etc.
Au fond vous désirez que votre travail de peintre soit fluide et apaisé, vous voudriez trouver une expression personnelle , un “moi” en peinture, tout en prenant du plaisir, n’est-ce pas? Bienvenu(e) au club.
Sans transition, direction le musée d’Orsay et l’exposition Munch.
Je n’ai pas mis d’adjectif superlatif, car nous allons regarder le peintre Edvard Munch pour qui il est, un homme et un artiste sincère et travailleur, c’est tout ce qui nous intéresse aujourd’hui. Car souvent, les superlatifs mysticisants qui entourent les artistes, nous somment de nous incliner devant eux, ou de s’en faire une idée romantique, ainsi, on passe souvent à côté de leur humanité, de leur savoir-faire, de leur écriture.
“Edvard Munch, un poème de vie, d’amour et de mort”…ok. Un peu ronflant, non? Alors bien sûr l’expo est :(superlatif). Mais vous n’avez pas besoin qu’on vous le dise. C’est Munch tout de même.
Sans plus tarder, passons à l’enseignement qu’on a pu tirer de cette exposition. Je vous le restitue en cinq leçons à méditer (à titre personnel, je me l’applique autant que possible et de plus en plus).
Leçon numéro 1 : Copiez les autres!
La peinture de Munch est un savant mélange, très personnel, d’impressionnisme, de l’expressionnisme et du symbolisme. Ces différents mouvements sont à peine nommés dans les années 1880, quand Munch commence. Il ressent et embrasse son époque avec une grande précision et se laisse influencer sans vergogne.
On sent très bien dans ses œuvres de jeunesse la présence de Degas, Cézanne, Monet, Böcklin, Moreau et bien sûr Maurice Denis.
Mais on voit surtout, au travers de la présentation du musée d’Orsay, la recherche et l’évolution de la matière et de la surface, du rapport à l’image et à la réalité, du coup de pinceau.
Les influences, parfois très appuyées, ne l’ont pas empêché de devenir Munch, c’est tout le contraire même!
Leçon numéro 2: Dessinez!
Il y a toutefois un pré requis important à toute pratique sérieuse de la peinture, vous n’y échapperez pas – le dessin.
Nul besoin de dessiner comme Raphaël, Dürer, ou comme Rubens, mais comprendre la forme par le dessin, c’est-à-dire par la géométrie, par la structure et par la composition de votre espace, est tout simplement essentiel. Munch est un dessinateur de savoir-faire classique. Et il déforme, caricature, étire, incline, maltraite la figure… Il le fait par choix et en totale conscience bien sûr, rien n’est subi. Quand on sait dessiner, on sait déformer.
Alors pourquoi “leçon numéro 2” pour le dessin? Juste parce que vous le savez déjà (l’importance du dessin) et que vous avez besoin de prendre votre temps pour trouver vos influences. Commencez par faire des copies de dessins, peintures, sculptures, bas reliefs, etc au crayon, sans chercher un style, juste vous et votre main, comme elle peut. Faites beaucoup d’esquisses rapides, pas des “beaux dessins”.
Leçon numéro 3: Déclinez le même motif!
Dans l’expo d’Orsay, on peut être frappé par une impression de grande parenté entre des séries de tableaux. Les mêmes endroits sont dépeints (il s’agit souvent du village de pêcheurs Asgardstrand), avec des points de vue très similaires pour les scènes de rue et de ponts. C’est touchant de voir comment il arrive au “Cri” (grand absent de l’exposition). Il y arrive littéralement, en s’en approchant au travers d’autres tableaux. Le motif s’est imposé, sans forcer. Par la suite, il placera les sujets de “L’Anxiété” et du “Désespoir” sur le même pont.
La palette aussi est reconduite entre peintures de la même série, tous les tableaux autour du “Cri” ont cette même gamme de gris-bleu, d’orangés et de roses crépusculaires.
Et quand il ne décline pas un motif, comme expliqué plus haut, il va carrément copier plusieurs fois son tableau, pour chercher le ton juste, le contraste, la couleur, le geste, etc.
C’est ce qu’il fait avec les faux jumeaux que sont “Vampire” et “Le Baiser”, les deux toiles sont plutôt deux séries, avec des déclinaisons minimes parfois. “Vampire” existe en plusieurs versions, “Le baiser” avec ces deux figures emblématiques, se décline en peinture, dessin, gravure…
Leçon numéro 4: Trouvez vos outils et votre matière.
J’arrive à un des points qui m’a le plus surpris et c’est la matière de Munch.
En fait, je voyais Munch pour la première fois en vrai. Si vous ne vous rendez pas à Oslo, vous aurez peu de chances d’en voir en réalité, ce qui rend l’exposition d’Orsay d’autant plus incontournable.
Et sur la foi des reproductions, j’ai toujours pensé qu’on devait être dans une matière très sèche et danse, dans une sédimentation de peinture à l’huile quasi pure, en couches multiples.
En fait, c’est presque le contraire. Edvard Munch a une façon très personnelle de fluidifier sa matière et de quasi-aquareller ses surfaces. En termes de matériel, il est évident qu’il emploie (souvent) un diluant type térébenthine, ou un médium qui en contient beaucoup, afin de donner à sa matière un aspect maigre, aqueux. Souvent assez transparente, la surface est néanmoins riche en couleurs, il est certain que le peintre utilise des pigments de qualité. Dans la plupart des tableaux, il met en scène une belle dynamique des matières, plus gras, plus maigre, plus frotté, plus glissé…selon ce qui est représenté.
Plus on avance dans le temps, plus la matière s’homogénéise, vers cette fluidité maigre. Les tableaux, même les grands formats, ont un aspect esquissé et forcément virtuose, ce qui m’amène au dernier point…
Leçon numéro 5: Humilité et persévérance.
Le dernier point est le plus important. Le “Soi” en peinture, le style personnel, l’expression individuelle, se cherchent oui et ça prend d’innombrables heures de travail, mais ne se trouvent pas vraiment et c’est une bonne nouvelle.. Cela s’impose à vous quoi que vous fassiez, du moment que vous faites confiance au processus et au protocole personnel que vous avez mis en place. C’est personnel parce que cela vous correspond, vous développez un appétit particulier pour telles gestes, telles couleurs, tel type de toile, etc. Il est essentiel de rester humble et à l’écoute de sa peinture, plutôt que de sa volonté à représenter, voire à impressionner. J’ai été frappé de voir à quel point Munch cultive une constance et un certain sens de la mesure dans ses peintures, quel que soit le moment de sa vie, instable et fragile sur le plan émotionnel et physique. C’est dans le face à face avec sa peinture qu’il va trouver une continuité.
Les conseils que je viens de présenter sont issus de l’observation des maîtres du passé. Ce n’est pas une recette pour devenir un (superlatif) peintre, c’est une recette pour peindre vraiment, pour soi avant tout.